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In den 60er in den USA wird der kleinkriminelle Italoamerikaner Tony Lip (Viggo Mortensen) Chauffeur des schwarzen intellektuellen Musikers Dr. Don Shirley (Mahershala Ali), der für eine Tournee in den Süden muss. Oder will.

Fast alles was der Film ist folgt aus diesem Szenario. Sie reisen, also ist es ein Road-Movie und die beiden lernen sich besser kennen. Sie stammen aus unterschiedlichen Schichten, also gibt es da Reibung. Shirley ist ein Musiker, es gibt also viel Musik – klassische und Blues. Und klar, weil es in den Süden und die USA geht – der und die ja noch heute rassistisch ist – ist die damals de facto noch bestehende Rassentrennung ein großes Thema, wohl das Hauptthema.

Was nicht aus der Einleitung folgt: Beide Schauspieler sind klasse. Besonders Mahershala Ali, der schon mit seiner hervorragenden Leistung den Anfang der Serie Luke Cage getragen hat. Zwischen seiner Rolle dort und hier bestehen sogar Ähnlichkeiten: In beiden ist unter der Oberfläche Sensibilität, in beiden ist ihm Musik wichtig, in beiden ist er auch ziemlich cool und witzig. Auch das folgt aus der Einleitung nicht: Wieviel Humor in der Geschichte steckt, hauptsächlich in den Wortgeplänkeln der beiden Hauptfiguren. Das tut dem Film sehr gut, ohne den Witz wäre er kitschig.

Wenn es hier etwas zu kritisieren gibt liegt das größtenteils am Format Film: Zwei Stunden sind nicht genug Zeit, um überzeugend den Wandel des vorherigen Alltagsrassisten Tony zu zeigen, das geschieht ganz plötzlich (der Spoiler sei mir verziehen, er steckt im deutschen Titel des Films schon drin). Und vielleicht ist Setting und Resultat etwas zu naiv, andererseits wird der Rassismus als solcher auch nicht kleingeredet oder auch nur gesellschaftlich als überwindbar gezeigt.

Insgesamt ist Green Book hervorragend, lustig, fesselnd, ohne Längen.

Es ist eine Rockstarwerdungsgeschichte: Bohemian Rhapsody startet beim Anfang von Queen und damit beim Anfang der Karriere von Freddie Mercury. Aus der kleinen Band wird ganz schnell ein außergewöhnlicher Erfolg, aus dem bizarren Freddie ein sich selbst entdeckender schwuler Star. Womit die Probleme anfangen.

Höhepunkt der Geschichte ist das "Live Aid"-Konzert. Höhepunkt des Films sind die Schauspieler und die Musik: Die Songs von Queen sind wunderbar in die Handlung eingebaut und klingen hervorragend, die Schauspieler sind einfach toll, gerade Rami Malek als Freddie Mercury, aber auch seine Frau, sein Partner und seine Bandkollegen überzeugen. Das Ergebnis ist eine emotional sehr starke Geschichte, traurig, lustig, fesselnd.

Was mir weniger gefiel:

1. Es gibt keine Kritik. Laut dem Film liebt jeder Queen, die Bandmitglieder sind fantastische Menschen, und auch wenn die Irrungen Freddie Mercurys behandelt werden bleibt es auch bei ihm eine verklärend positive Darstellung.
2. Irgendwas stimmte bei dem finalen Konzert nicht. Der Auftritt der Band ist hervorragend gemacht, die Szene ist wirklich der Höhepunkt des Film. Aber die Masse der Zuschauer wirkte zu homogen, als sei sie mit schlechter CGI umgesetzt. Bei den Nahaufnahmen des Publikums stimmt meiner Meinung nach die Beleuchtung nicht, eventuell störte da noch etwas anderes. Es wirkte unecht, und fiel nicht nur mir auf.
3. Meine Rechercheabteilung berichtet mir, dass viele Fakten nicht stimmen. Wie die Band sich kennengelernt hat, wann sie von der HIV-Erkrankung wussten und wie schlimm ein Solo-Album wäre stimmt alles wohl nicht mit der Wirklichkeit überein, und das sind nur ein paar Beispiele. Freddie Mercury wirkte wohl auch nicht ganz so tuntig wie im Film dargestellt.

Trotzdem sehr sehenswert.

Ich fand den Film schlecht.

Filme der Reihe Mission: Impossible sind selten ein Meisterwerk. Der erste war toll, der zweite grausam schlecht, seitdem hat sich die Reihe gefangen und ein paar ordentliche Actionfilme produziert. Dazu zählt auch Rogue Nation, auch wenn der mich schon etwas kaltgelassen hat.

Fallout übertreibts nun wieder. Zwar schafft er es so gerade, nicht völlig zu verwirren. Bösewicht will Atombombe in die Luft sprengen, eine Organisation will ihm helfen, die Geheimdienste haben wie immer ein Problem mit dem Weltretter Ethan. Soweit, so übersichtlich. Aber gerade die letzte lange Actionszene hat einfach das Problem komplett unglaubwürdig zu sein. Und das verschuldet der Film selbst: Weil da ein Timer läuft, die Geschehnisse aber absolut nicht in den angeblichen Zeitrahmen passen. Anstatt so mit dem Timer Spannung aufzubauen verlor der Film mich dort völlig. Aber auch vorher schon packte der Film mich zu selten, zu wenig besonderes war da drin, zu viel vorhersehbares, zu viele sinnlose Actionszenen.

Ich bekomme auch keinen Grund die Charaktere zu mögen. Die sind einfach da, weil sie wohl schon in den Vorgängerfilmen da waren. Ihre damals etwaig vorhandene Charakterzeichnung habe ich heute aber bereits komplett vergessen. Vor lauter Action nimmt sich die Story aber keinen Moment, um mir die alten und neuen Charaktere nahezubringen. Die einzige halbwegs interessante Figur ist die weiße Witwe, und sie wird nur kurz verwendet und verschwindet dann aus der Handlung.

Und dabei mag ich Actionszenen. Ich mag auch Agentengeschichten. Aber wenn es vorhersehbar wird und die Action sich zieht, wenn (außer mit Scientology) völlig unerklärliche übersinnliche Fähigkeiten dazukommen, wenn einem die Charaktere egal bleiben und wenn man das alles so ähnlich schonmal gesehen hat, dann ist es eben kein guter Film.

Weil die Übermedien nicht wissen was ein Angreifermodell ist, verfallen sie in einer Analyse eines Panorama-Interviews in den Panikmodus. Ein Informant sei unzureichend geschützt worden, Panorama sei unfähig. Der Themenkomplex ist in der Nähe meiner Doktorarbeit, daher ein paar Erklärungen hierzu.

Es geht um den Cum-Ex-Skandal, ein wirklich unfassbar dreister Betrug des Kapitals, bei dem der Staat sich über Jahrzehnte willfährig ausnehmen ließ. Der Interviewte ist ein Insider und zukünftiger Kronzeuge. Dementsprechend soll er anonym bleiben: Er fürchtet seine Mittäter und Konsequenzen im Privaten. Panorama hat also sein Gesicht verborgen und seine Stimme verzerrt und ihn so vor der Kamera unkenntlich gemacht.

Die Übermedien meinen das reicht nicht:

Doch dieser Schutz ist unzureichend. Und das wissen Journalisten spätestens seit dem Frühjahr 2014. Auf der Forensiker-Tagung im Mai in Münster wurde nämlich die Methode offenbar, mit der Ermittler durch Analyse der elektrischen Netzfrequenz vermummte und verkleidete Informanten, deren Stimme verzerrt wurde, enttarnen können.

Die Aussage stimmt, und doch ist ihre Folgerung falsch. Warum ist interessant.

Die Netzfrequenzanalyse betrifft erstmal genau solche Interviewszenarios. Die Netzfrequenz ist nicht mehr stabil, ihre Abweichung wird dauernd protokolliert. Sie lässt sich auch aus Aufnahmen wie der Interviewvideoaufnahme ablesen. Wann eine solche Aufnahme gemacht wurde lässt sich damit also bestimmen, man schaut einfach nach wann die Abweichung im Video mit der protokollierten übereinstimmt. Die Uebermedien glauben man würde auch den Ort herauslesen können – ich glaube das stimmt nicht, ich bin mir aber nicht ganz sicher (für diesen Artikel ist es egal).

Wenn man aber den Aufnahmezeitpunkt hat und den Ort bestimmen kann – was ein Geheimdienst ja auch mit anderen Methoden hinkriegt – dann kann ein entsprechend ausgestatteter Akteur den Interviewten identifizieren. Er muss nur Überwachungskameras auswerten und von den paar tausend Leuten, die so wahrscheinlich gefunden werden, über ihre Profile mögliche Träger der Information herauspicken. Einer der so gefundenen ist der Informant. Ein Geheimdienst macht dann was er eben so macht, NSU-Zeugen landen in brennenden Autos, Feinde Putins werden vergiftet, es bleibt sicher immer sehr stilvoll.

Warum also haben die Übermedien nicht recht mit der Anschuldigung, warum hat Panorama hier nicht furchtbar geschlampt? Das liegt schlicht am Angreifermodell und am Schutzziel.

Der Interviewte hier muss nicht umfassend vor Geheimdiensten geschützt werden. Er ist dem System bereits bekannt, er ist ein Kronzeuge, seine Aussage wird bald öffentlich und seine Identität dann bekannt sein. Es geht nur um Schutz vor den Mittätern. Das sind seine Kollegen, seine Nachbarn vielleicht, aber es sind keine Geheimdienste. Wären die hier verwickelt wüssten sie seine Identität über seine Kronzeugenrolle sowieso schon und hätten sich schon eine passende Eliminierungsmethode ausgesucht.

Das ist also praktisch der umgekehrter Fall von "Die US-Regierung wird uns nicht mit Musketen angreifen."

Meine Nachbarn sind nett, intelligent und fähig, aber sie haben nicht die Ressourcen des BND an der Hand. Sie würden in einem solchen Fall keine Überwachungsvideos auswerten und tausende Profile anlegen, sie würden wahrscheinlich die Netzfrequenzanalye nichtmal kennen. Es ist praktisch gegeben, dass dies im Fall dieses Informanten genauso ist. Denn die Mittäter sind ja wohl kaum Geheimdienste, sondern Privatpersonen – eventuell sehr reiche und skrupellose Banker, schlimm genug, aber doch keine KGB-Agenten. Damit fällt die Netzfrequenzanalyse als Angriffsvektor komplett raus. Ohne sie sind Verfremdung von Gesicht und Stimme dann auch ausreichend, um für den kurzen Zeitraum bis zur Kronzeugenaussage die Anonymität des Insiders zu wahren.

Denn interessanterweise stimmt dieser stark klingende Satz eben nicht:

Doch ein bisschen anonym ist problematisch. Das funktioniert genauso wenig wie ein bisschen schwanger.

Ein bisschen schwanger geht nicht, ein bisschen anonym geht durchaus. Das ist nicht ganz intuitiv, aber Stand der Anonymitätsforschung. Denn praktisch immer ist Anonymität eben doch ein Grad und nicht absolut.

Ein Beispiel: Wenn ein geehrter Leser dieses Artikels hierdrunter einen fiesen Kommentar schreibt und einen falschen Namen benutzt ist er wahrscheinlich mir gegenüber anonym. Ich habe kaum Möglichkeiten die civil identity dieses fiktiven Kommentators zu finden, dann zu ihm zu fahren und ihm eins auf die Nase zu hauen. Glücklicherweise ist das auch nie nötig, meine Kommentatoren immer nett.

Jetzt nehmen wir aber mal an der Kommentator schrieb nicht einfach einen fiesen Kommentar, sondern kündigt einen islamistischen Terrorangriff an. Ich habe zwar immer noch keine Methode ihn aufzuspüren. Aber so etwas würde die Polizei und die Geheimdienste alarmieren, und die könnten dann über die Vorratsdatenspeicherung den Kommentatorterroristen ganz schnell identifizieren. Hat er technische Vorkehrungen getroffen geht es vielleicht etwas weniger schnell, aber es gibt im Internet kaum absolute Anonymität.

Das gleiche gilt auch bei anderen Kommunikationswegen. In fast jeder Situation kann man Leute finden, gegen die ein vermummter Kommunikationsteilnehmer anonym ist, aber von dem andere Stellen durchaus die Identität kennen oder kennen könnten.

Das Foto hier taugt dafür als zweites Beispiel. Ich weiß nicht wer das ist. Gegenüber dem Großteil des Internets ist die junge Dame anonym. Aber der Fotograf dürfte wissen wer das ist, ein entsprechend begabter Detektiv kann ihre Identität wohl aufdecken. Und ihre Mutter würde sie wohl auch erkennen.

Deshalb ist bei solch einer Situation wie dem Panorama-Interview der Kontext so wichtig. Er bestimmt das Angreifermodell: Wer wird die Identität aufdecken wollen und welche Fähigkeiten hat er dafür? Dementsprechend sind ganz unterschiedliche Anonymitätsgrade erforderlich. Man kann sich auch überlegen: Wie schlimm wäre es, wenn die Identität bekannt würde? Auch das kann in die Entscheidung reinfließen.

Den Aussagen des Chefredakteus zufolge wurde genau das sorgfältig und richtig gemacht. Die Übermedien hätten seine Aussagen nicht nur zitieren sollen, sondern sie hätten Beachtung verdient gehabt. Denn mit dem richtigen Hintergrundwissen widerlegen sie alleine komplett den dort lancierten Artikel. Aber ich will die Übermedien gar nicht zu stark kritisieren: Anonymität ist ein erstaunlich kompliziertes Thema. Hier fehlte sicher einfach etwas Hintergrundwissen, um falsche Schlussfolgerungen zu vermeiden – obwohl der genannte Autor es besser wissen müsste heißt die Autorenangabe ja nicht, das alles aus seiner Feder stammt.

Denn ein bisschen anonym geht eben doch. Man ist sogar immer nur ein bisschen anonym, genau wie Sicherheit niemals absolut ist. Und in anderen Kontexten haben gerade das die Übermedien ja durchaus verstanden.

Zuhause:

Hey, es gibt ein neues Star Trek! Ich hatte eigentlich erst Star Trek Discovery geschaut und fand es gar nicht so schlecht. Nachdem in der Halbstaffelkritik von Half in the Bag re:View aber die ganze Zeit Discovery mit Orville verglichen wurde und Orville gut wegkam (woraufhin ich wegen der Spoiler nicht weiterschauen konnte) musste ich mir das auch ansehen.

Und ja: Das ist schon näher an Star Trek TNG, Voyager und DS9 als es Discovery ist. The Orville hat schlicht besser zu Star Trek passende Handlungen. Dass die Folgen in sich abgeschlossen sind ist auch sehr angenehm, genug Referenzen zu vorherigen Folgen gibt es auch. Da ist die Balance gut gelungen.

Das Problem von The Orville ist der Komödienstatus. Seth MacFarlane ist nicht nur der Captain, sondern auch der Erschaffer der Serie. Er ist für Family Guy bekannt. Dementsprechend ist die Serie kein bisschen lustig, sondern immer wieder absurd gebrochen, was MacFarlane wohl für Humor hält. Das hilft vielen Plots überhaupt nicht.

Beispielsweise gibt es eine Folge über einen hyperdemokratischen Planeten. Eigentlich bestes Material für Star Trek und die Folge ist auch größtenteils gut gelungen. Aber das Konzept funktioniert trotzdem nicht richtig, weil es darauf basiert, dass für 30 Sekunden der in Probleme geratende Offizier sich wie ein verhaltensauffälliges 13-jähriges Arschloch verhält und eine Statue dry-humped. Der Rest der Folge ist normale Handlung, aber die 30 Sekunden "Humor" à la Family Guy zerstören völlig die Glaubwürdigkeit und Konsistenz dieser Episode.

Wie die Serie so kommerziell funktionieren soll verstehe ich nicht. Als SciFi-Serie ist sie mit diesen Elementen nur bedingt geeignet, aber für den Sendeplatz im Komödienprogramm taugt sie noch weniger. Nicht, weil ich den Humor nicht lustig finde – das mag subjektiv sein. Aber von den vermeintlich lustigen Stellen gibt es nur einige wenige pro Folge. Selbst wenn sie jemand gut fände, würde er vom Rest der Serie enttäuscht werden.

Vielleicht kriegt The Orville das aber noch in den Griff. Die Finalfolge der ersten Staffel kommt praktisch ohne blöde Witze aus. Und ignoriert man den Blödsinn in den sonstigen Folgen bleibt ein ziemlich solides altmodisches Star Trek über. Als Konzept ist das ja auch gar nicht so blöd: Star Trek mit etwas Humor kann funktionieren. Star Trek muss kein dunkles Kriegsdrama voller Aktion und mit von PTSD geplagten kaputten Charakteren sein, bei dem in jeder Folge hunderte Leute sterben, so waren die alten Serien ja auch nicht. Der Humor muss nur dezent genug sein, was MacFarlane schwerzufallen scheint. Aber manchmal passt es dann doch: Dann treffen die Witze in The Orville doch den richtigen Ton und man kann erahnen, wie zusammen mit der klassischen Handlung daraus ein unterhaltsames Star Trek werden könnte.

Dadurch bin ich dann doch auf die zweite Staffel gespannt.

(direkt)

Ghostbusters: Answer the Call ist ein widerliches Machwerk mit schlechter Story, unsympathischen Figuren, schlechten Schauspielern und schlechter Inszenierung. Es ist zudem völlig unlustig.

Den 2016er Ghostbusters-Reboot hatte ich damals verpasst. Da gab es ja viel Drama drum, vermeintlich Kritik am im Film transportierten Feminismus? Ich hatte das nur ganz am Rande mitbekommen. Ich wusste vor dem Schauen eigentlich nur, dass der Film wohl nicht toll ist und es deswegen damals für mich gar keine Chance gab, ihn zu sehen. Ich wollte aber jetzt das Half in the Bag-Review sehen und dafür den Film vorher selbst gesehen haben.

Aber wow, "nicht so toll" ist sowas von untertrieben. Der Film war so richtig scheiße. Ich habe ja schon viele schlechte Filme gesehen, aber das war einer der schlimmsten. Kein Witz ist lustig, ich habe ungelogen kein einziges mal gelacht. Die Geschichte ist langweilig. Und die Inszenierung sooo schlecht. Ghostbusters kriegt es nicht mal hin, den bekannten Filmsong der Vorgänger richtig in Szene zu setzen.

Im Original waren noch die Geisterjäger Außenseiter, die mit Charme, Witz und einer Prise obskurer Wissenschaft zum Leidwesen der Normalgesellschaft die Welt retten. Im Reboot will der böse Nerd-Außenseiter die Welt vernichten, indem er mit einer Art Bombe die Barriere zur Geisterwelt aufreißt. Die neuen Ghostbuster müssen das verhindern. Das ist zum einen eine uninspirierte und langweilige Hintergrundgeschichte, dessen Wahl des Nerd als Oberbösen noch dazu absolut nicht zum Charakter der Vorgängerfilme passt. In denen waren Ghostbuster-Nerds positive Figuren, er stellte sich gegen den Mainstream. Der Reboot dagegen gefällt sich darin, nach unten zu treten – und damit den Fans der Vorgänger ein Fuck you entgegenzuschleudern.

Und dann ist der Reboot auch noch so sexistischer Mist. Mit den künstlich ins vermeintlich positive gedrehten Frauenbildern, die genau darum die zugrunde liegenden negativen Frauenbilder bestätigen – und in dem die Frauen noch dazu dauernd vor sich hin labernde oder übedreht schreiende, immer aber dumme Widerlinge sind. Sexistisch ist auch der ins lächerliche verdrehte männliche Assistent – als ob es heute noch solche Frauenfiguren gäbe, deren Absurdität man durch diesen Kniff aufdecken könnte. Und als ob das in irgendeiner Weise lustig wäre. Und als ob die Assistentin im Original so gewesen wäre, das also irgendeine Form von berechtigter Kritik. Die haben sich nichtmal das Originalmaterial angeschaut.

Wie gut, dass ich den Film damals verpasst hatte.

Kennt das schon jeder? Half in the Bag ist eine Serie von Filmkritiken. Verpackt in ein krudes Setup (die beiden Kritiker sind Videorekorder-Reperaturmänner und lassen sich von einem blinden alten Mann aushalten) sind völlig ernsthafte Filmbesprechungen, welche die Filme richtig beleuchten. Ich hatte hier im Blog Mother! erwähnt, die beiden gehen ins Detail:

Für mich ist der Reiz, in diesen viel besseren und tiefergehenden Reviews die Übereinstimmungen mit meinen kleinen Artikeln zu finden – oder zu entdecken, dass sie einen Film anders bewerteten als ich das tat. Life zum Beispiel bewerteten sie positiver als ich, wobei auch sie es nicht gerade für ein Meisterwerk hielten.

Eine Sache fand ich ganz okay am neuen Pacific Rim: John Boyega. Der hat dann doch fast sowas wie Charme, selbst wenn er fast den ganzen Film mit einem Gesichtsausdruck bestreitet. Charme, der fehlt dem Rest des Films leider völlig. Und dabei fand ich den trashigen Vorgänger fast schon gut.

In Uprising ist die Handlung des ersten Teils zehn Jahre vorbei, die Monster sind fort, die Welt baut sich wieder auf. Klar, der Film würde nicht zu diesem Zeitpunkt spielen wenn sich daran nicht jetzt etwas ändert. Boyega spielt einen ehemaligen Mech-Piloten, der sich mit Gaunereien in noch zerstörten Teilen der Erde beschäftigt. Dort begegnet er der jugendlichen zweiten Hauptrolle, Amara Namani (Cailee Spaeny), die ihren eigenen Mech gebaut hat. Beide werden dann für die Erdverteidigungsstreitmacht und damit für die eigentliche Handlung zwangsrekrutiert.

Die Figur Amara ist das erste große Problem des Films. Ich schrieb oben, dass ich den Vorgänger irgendwie mochte. Tatsächlich habe ich nur noch vageste Erinnerungen an seine Handlung. Um die ging es schlicht nicht. Es ging darum, ein halbwegs plausibles Szenario zu schaffen, in dem Riesenroboter gegen Riesenmonster kämpfen und dabei absurd viel Zerstörung anrichten, und dabei ein paar coole oder nett anzusehende Schauspieler vor der Kamera zu haben. In Uprising funktioniert das nicht mehr. Uprising hat zwar ein paar zu der Beschreibung passende Schauspieler (eigentlich alle der Erwachsenen: John Boyega, Scott Eastwood, Rinko Kikuchi, Tian Jing und Adria Arjona, auch Burn Hugh Gorman kann man zählen), fokussiert sich aber auf Amara und die anderen in die Handlung gepflanzten Teenager und nimmt immer wieder deren Kinderperspektive ein, wie bei der zur Schau gestellten Begeisterung über die Mechs samt ihrem Namedropping. Statt einer dystopischen und abgedrehten Zerstörungsgeschichte wird es dadurch zu einem Kinderfilm, statt Godzilla denke ich an Power Rangers.

Zu Power Rangers passen leider auch die (neuen?) Choreographien der Mech-Piloten, besonders aber die Hintergrundgeschichte – der verräterische Antagonist könnte so vor sich hin kichernd auch in der Serie aus den Neunzigern auftreten, er ähnelt sowieso schon dem Bösewicht dort. Oder war das bei den Ninja Turtles? Und mir die Bilder aus dem Vorgänger wieder anschauend: Selbst die erwachsenen Schauspieler in Uprising sind jünger als die des Vorgängers. Hier sollte wohl Transformers kopiert und eine jüngere Zielgruppe erreicht werden. Aber muss man deswegen einen schlechten Film machen, nur weil man nur noch Kinder erreichen will?

Das Anbiedern an eine jüngere Generation schadet dem Film. Besonders verärgert hat mich, dass durch einen Kniff in der Handlung die Geschichte des Vorgängers nicht mehr funktioniert. Spoiler: In Pacific Rim gab es diese Riesenmonster und sie griffen wo immer ihnen möglich die Menschheit an, besonders Ballungszentren. Ergo Dystopie, bedrohte Menschheit, die sich mit Riesenmauern und Geschützen und dann Riesenrobotern wehrt, im Grunde aber sind zu Anfang des Films die Monster klar am Gewinnen und handeln ziemlich frei. In Uprising jetzt ist plötzlich das Blut der Monster so entzündlich, dass nur eines sich in einen Vulkan schmeißen müsste um die Erde zu terraformen und dabei die Menschheit zu vernichten. Siehst du, wie das die Handlung des Vorgängers kaputtmacht? Dort konnten die Monster über einen längeren Zeitraum über die Erde wandeln und nahezu frei schalten, würde ein Wandern in einen kleinen Vulkan ausreichen damit sie gewinnen, die hätten das längst machen können.

Ich würde den Vorgänger zu hoch loben, wenn ich sagen würde, dass dieser grobe Fehler dessen plausibles Szenario zerstört – nichts ist plausibel an Riesenrobotern und Riesenmonstern – aber die neue Absurdität zerstört sogar noch das "halbwegs" im halbwegs plausiblen Szenario, diesen dringend notwendigen kleinen Funken gefühlte Dystopie und Bedrohung, den kleinen Hauch Godzilla. Und ohne den ist Pacific Rim nicht mehr cool, sondern peinlich.

Die Welt ist in Chaos versunken, Menschen verbringen ihre Zeit in der Oasis, einer Art Matrix. Doch der Erschaffer der Oasis ist verstorben, hat vor seinem Ableben aber Schlüssel hinter Herausforderungen versteckt, die eingesammelt Kontrolle über die virtuelle Realität und sein Vermögen verleihen. Der Protagonist kämpft dafür gegen einen Bösewicht, der mit seinem Unternehmen mit dieser Macht die Welt kontrollieren will.

Die Story ist ziemlich hanebüchen und auch nicht gerade originell, zumindest wenn man schonmal einen Cyberpunk-Roman und Otherland gelesen oder Matrix geschaut hat. Es ist all das aufgewärmt, durchmischt und für Jugendliche aufbereitet. Was die aber mit den 80er-Referenzen anfangen sollen weiß ich nicht, die gingen auch an mir größtenteils vorbei, aber vielleicht sollen die ja auch nur "oh, retro, wie cool" denken. Oder soll das ältere Eltern ansprechen, die in den Film mit ihren jugendlichen Kindern gehen?

Im Film ist der Handlungsverlauf wohl noch vorhersehbarer als er im Buch sei, aber das habe ich nicht selbst gelesen. Interessant ist, wie viel des Films pure CGI ist, und wie wenig mich das gestört hat. Das ist gar nicht mal schlecht gemacht. Schlecht dagegen ist das Kitsch-Ende, und auch der Rest des Films ist zumindest nicht gut. Und strotzt vor Logiklücken, wie auf der Straße herumrennende Leute, die sich gleichzeitig in der Matrix befinden sollen, also alle reihenweise gegen Mauern rennen würden.

Ein junger Mann verletzt sich schwer beim Rodeo. Der Film beginnt nicht damit, sondern mit seiner langsamen Genesung. Diese gelang bisher nicht vollständig, was problematisch für ihn ist: Sein Leben und sein Lebenstraum bestand aus Reiten und dem Rodeo, ein Pfad, der ihm nun verwehrt scheint.

The Rider ist ein weiterer dieser Lebenssinnsuchfilme, wie sie in der hiesigen Sneak scheinbar besonders gerne gezeigt werden. Anders als Lucky und Ladybird ist hier kein Humor zu finden. Dafür viele Bilder der amerikanischen Prärie. Mir hat das gerade als Abwechslung ziemlich gut gefallen: Ich empfand die Geschichte und die Botschaft ehrlicher als bei Ladybird, und er ist auf einer anderen Weise emotional schwer als Lucky. Auch ist es keine Schnulze, nur ein klar gestecktes Drama, dass auch ohne Klamauk interessant bleibt. Mich wundern die verliehenen Preise jedenfalls nicht.

Nachher gelesen: Eine Besonderheit des Filmes ist die Verwendung von Laienschauspielern. Im Kino habe ich das nicht bemerkt, insbesondere nicht negativ.

Queens of the Stone Age (direkt).

Durch Zufallsauswahl wurde mit dem Song der reparierte Kopfhörer getestet.

Lady Bird ist ein mit Preisen überhäufter, oscarnominierter Film über das Erwachsenwerden einer Schülerin. Ein Bildungsroman. Es ist ein Film, der mich nicht kalt gelassen hat, aber den ich doch nicht toll fand.

Die Protagonistin Lady Bird heißt eigentlich Christine und lebt in einer amerikanischen Kleinstadt. Statt der Schule, in die sie gehen will, geht sie in eine katholische High School. Aber sie ist im letzten Jahr und hat große Pläne für die Zukunft. Wenn da nur ihre gestörte Mutter nicht wäre, und ihre eigene Verrücktheit, und das kaputte System, ihre komischen Freunde noch noch komischeren Möchtegernfreunde, und Jungs, mit denen sie ausgehen könnte.

Der Film ist charmant, so wie Christine trotz ihrer Seltsamkeit charmant und witzig sein kann. Er ist meist lustig, auch engagierend und gut gemacht. Aber ich fand ihn auch sehr einfach. Hinter allem konservativ amerikanischen ist doch immer Nettigkeit und Toleranz Christine gegenüber, die Familie lebt in wirtschaftlichen Problemen und hält doch zusammen, die verrückte Mutter liebt ihre Tochter natürlich ganz doll. Und all ihre Träume sind natürlich nur als Sehnsuchtsvorstellung toll, einmal erreicht eignen sie nur, das in schönen Bildern präsentierte Kleinstadtleben mit seinen verrückten, aber eben doch netten Menschen im Kontrast als gut erscheinen zu lassen.

Juno ist tief dagegen, und hat einige Ähnlichkeiten, mit seiner charmanten Hauptdarstellerin und den leicht verrückten Figuren. Aber noch disqualifizierender wäre ein Vergleich mit anderen Lebenssinnsuchfilmen, wie Broken Flowers - das einen anderen Humor, aber auch eine andere Klasse hat.

In Deutschland ist der Titel dieser französische Komödie Das Leben ist ein Fest. Max organisiert Hochzeiten, aber bei dieser hier geht alles schief. Der Bräutigam ist ein Arsch, die Kellner proben den Aufstand, das Essen ist nicht gut - und noch dazu hat er Beziehungsprobleme.

Okay, es sollte bei dieser Beschreibung niemanden verwundern warum ich in diesen Film nicht gehen wollte. Er schreit "romantische Komödie!" - und mit Hochzeitsplanung als Rahmen nicht mal nach einer originellen. Aber ich bin ganz froh, dass ich mich überreden ließ. Zumindest auf französisch schafft diese Komödie es nämlich, nicht gar zu kitschig zu sein - und er funktioniert nicht wie die anderen Hollywoodfilme, denen er der Beschreibung nach ähnelt.

Zwei Dinge retten den Film: 1. Er folgt nicht dem Standardrezept, und 2. Er baut gute Figuren auf und folgt ihnen.

Es passiert hier eben nicht, dass der Film erst lustig ist, dann der Protagonist eine Frau trifft, dann sie sich gut verstehen, er sie erstmal vergrault und schließlich in einer selbstlosen romantischen Geste doch noch erobert. Nichts davon kommt so vor. Stattdessen sind das hier einfach Witze der Charaktere, absurde Handlungen, die langsam diese Hochzeit zum Entgleisen bringen (wobei die Taktung dann doch dem Rezept folgt). Da ist Max (Jean-Pierre Bacri) selbst, der schon in der ersten Szene die Fassung verliert und seinen geizigen Kunden den arroganten Chef raushängen lässt, wobei man bald merkt dass er so verkehrt nicht ist. Daneben Adèle (Eye Haidara), die als schwarze Frau noch viel unbeherrschter Beleidigungen raushaut und sich mit dem Sänger streitet, was ein französisches Klischee verkörpert. Und dieser Sänger, James (Gilles Lellouche), soll Klasse in die Feier bringen, beherrscht aber nichtmal die Sprache seiner Lieder.

Auch ein wichtiger dritter Punkt für den Film: Er ist lustig. Besonders das chaotische Finale, vor dem Schlußpunkt. Aber auch zwischendurch die kleineren Pointen sitzen. Und dabei halten sich die Witze übers Essen und Tischmanieren erfreulicherweise im Rahmen.

Wenn dann die Handlung doch noch ein-zwei emotionalere Szenen einbaut, funktioniert das hier ordentlich als Rahmen für diese Charaktere, anstatt peinlich zu werden. Und dass er vorhersehbar ist macht auch nichts.

Nicht falsch verstehen: Ein Meisterwerk ist es nicht. Aber doch eine nette Komödie. Und die gibt es so häufig ja nun auch nicht.