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Holt mal die Kopfhörer raus. Kennt ihr Tom's Diner? Ich meine diese Acappella-Version:

Fantastisch klar.

Ich stolperte über dieses Cover, mit Unmengen Aufrufen:

Wie anders! Und doch ebenfalls toll.

Zack Snyder's Justice League ist die erweiterte Fassung von Justice League. Den Film hatte ich damals gesehen und war nicht überwältigt.

Die neue Version ist komplett absurd. 4 Stunden sind viel zu lang, was nicht besser dadurch wird, dass ein Teil dieser Länge ein dem eigentlichen Ende angehängter, schlechtgemachter Vorverweis auf einen möglichen Folgefilm ist. Das Format ist 4:3, was kein normales Kino und kaum ein Abspielgerät daheim perfekt unterstützt. Farben hätten dem Film auch nicht geschadet, ihr Fehlen macht die neue Version nicht einfacher zu sehen.

Und doch – im Vergleich zur regulären Version ist sie so viel besser. Im Originalrelease gab es komplett bescheuerte Szenen wie die Würfel in den Blutspuren eines von Batman erledigten Monsters. Sowas wurde entfernt. Hinzugefügt wurde Motivation für den Bösen, eine darüber gelegte Hintergrundgeschichte und vor allem viel Zeit für die einzelnen Superhelden. Gerade im direkten Vergleich macht das einen riesigen Unterschied, wird der Film von einem Langweiler zu ziemlich gut. Was vorher komplett Unsinn war hat nun nur einzelne Logikfehler, die Charaktere handeln nachvollziehbarer, der Endkampf wird plötzlich spannend.

Zusammengenommen zeigen die beiden Filme schön zwei Extreme. Die erste Version zeigt was passiert, wenn ein Filmstudio einen Regisseur hintergeht, das Konzept für einen Film und damit auch den Film selbst zerstört. Die zweite Version zeigt was passiert, wenn ein Regisseur zu viele Freiheiten hat, wenn Blödsinn wie ein 4:3-Filmformat nicht von einem Studio blockiert wird und niemand die massive Überlänge zurechtstutzt (der Film wäre noch dazu perfekt zweiteilbar gewesen). Aber es sind nicht zwei gleichwertige Extreme, zumindest hier nicht.

Voyager war die erste Star-Trek-Serie, die ich fast vollständig gesehen habe. Es könnte sogar generell die erste Serie sein, die ich nach gelegentlichen Fernsehfolgen am PC gesehen habe. Sie gab es damals im Studentennetzwerk, aber leider nicht 100% vollständig. Um die Lücken zu füllen sah ich sie über das letzte Jahr verteilt zusammen mit der Hausphysikerin nochmal. Taugt die Serie heute noch?

Fern im All, aber nicht allein

In der Pilotfolge wird die Voyager, frisch besetzt von einer neuen Crew um Captain Janeway, bei der Jagd auf ein Maquis-Schiff in den fernen Delta-Quadranten geworfen. Anstatt die Chance zu nutzen heimzukehren rettet sie eine Zivilisation und macht sich auf den mühevollen regulären Heimweg, der sie ohne Abkürzung Jahrzehnte kosten würde.

Wohl gar nicht zufällig landet sie so in der Essenz von Star Trek: In der Ferne, weitab von der Zivilisation, mit nur den eigenen Fähigkeiten und Werten als Rückzugspunkt, immer in Bewegung an der äußersten Grenze des Bekannten. Das dient sowohl dem in sich abgeschlossenen Episodenformat, das bei Voyager immerhin schon mehr Rückbezüge verkraftet als noch TNG, als auch dem philosophischen Kern aller Star-Trek-Serien (vor Picard). Entdeckung und die Reise einer zukünftigen Menschheitsvision wird zum Thema, aber auch ganz schlicht können so vor einem vertrauten Hintergrund immer neue Geschichten mit den gleichen Charakteren erzählt werden.

Wie bei all diesen Serien steht und fällt sie mit der Zuneigung zu diesen Hauptcharakteren. Vielleicht ist das bei Voyager etwas weniger ausgeprägt als es bei Stargate war, aber es bleibt essentiell. Die Crew der Voyager funktioniert in der Hinsicht ziemlich hervorragend; ohne Ausnahme gewinnen die Charaktere den Zuschauer, auch wenn die Reise bei Neelix etwas schwieriger sein mag. Wobei die Serie mit den Charakteren auch komische Dinge anstellt, dazu später mehr.

Star Trek hat ein Rezept, Voyager ganz besonders

Voyager ist für eine andere Zeit gemacht und vor allem für einen anderen Rhythmus. Was im wöchentlichen Fernsehtakt noch funktioniert haben mag wird schwierig, wenn die Serie im eigenen Tempo mit weniger Abständen gesehen wird. Dann schadet das formelhafte, nach dem so viele Folgen funktionieren. Voyager stößt auf ein Problem, einer der Crew kommt auf eine Lösung, was meist irgendein Wissenschaftsgebrabbel ist, später gerne mit Borgbezug. Ich bin da scheinbar schon abgestumpft, aber der Mitzuschauerin ging das nach einer Weile ziemlich auf den Keks.

Ich konnte die Verstimmung darüber nachvollziehen. Das Problem ist, dass durch diese Formel viele der Folgen belanglos wirken. Sie tragen die Haupthandlung nicht weiter, weil Voyager der Erde fast die ganze Zeit über undefiniert weit entfernt bleibt und der angreifende Makrovirus/Alientrupp/Weltraumwal daran nichts ändern wird. Und nur selten entwickeln die Schreiber während solchen Folgen dann wenigstens die Charaktere weiter, oder gibt es über mehrere Folgen gewobene Nebenstories. Sogar Nebendarsteller auf der Voyager kommen kaum wieder. Der Zweck der Folge ist dann nur noch, zur Unterhaltung mit fixen Charakteren ein Philosophieproblem durchzuspielen. Aber immerhin: Nebenstories und Charakterentwicklung gibt es manchmal, wenn auch selten im Vergleich zur Folgengesamtzahl, so doch häufig im Vergleich zu TNG. Tatsächlich macht es Voyager interessanter, wenn sich die Schreiber auf vorherige Folgen rückbesinnen.

Genauso gilt aber auch: Es stört massiv, wenn es unterbleibt. Wenn in der einen Folge Borg-Nanosonden einen vermeintlich toten Charakter wiederbeleben, diese Fähigkeit aber in allen späteren Folgen vergessen wird. Wenn Kes in einer dramatischen Zeitreisefolge Janeway vor einem Krieg mit einer Alienrasse warnt, der dann sogar später wirklich passiert, die Warnung aber nie wieder erwähnt wird. Die Serie verweigert sich nicht nur der Weiterentwicklung von sich selbst und ihrer Charaktere, sondern immer wieder auch der Entwicklung einer konsistenten ineinandergreifenden Vorgeschichte. Fällt das auf, nervt es ungemein.

Passend zur Nicht-Weiterentwicklung wird durch die selten überraschende Nutzung der Charaktere einiges vorhersehbar. Nein, weder Tuvok noch sein Sicherheitsteam werden eine Angreifergruppe ausschalten können, weil sie generell unfähig sind. Kims Vorschlag funktioniert nicht (selbst nach der thematisierten Wandlung zum erfahrenen Brückenoffizier). Seven dagegen hat die rettenden Nanosonden schlicht im Blut. Chakotay wäre in einer guten Lage etwas zu machen, aber die Schreiber ignorieren ihn andauernd, also wird er auch diesmal höchstens ein Stichwort geben. Und so weiter.

Seven und der Doktor

Doch dann passiert allem formelhaften zum Trotz eine Überraschung. Voyager ist die einzige Serie die ich kenne, in der die Hauptperson in der vierten Staffel auftaucht. Und zwar Seven of Nine, die einer der bekanntesten Star-Trek-Charaktere sein dürfte. Klar, Aussehen der Schauspielerin und das passende Kostüm sind da ein Grund für. Der andere, dass das Konzept der geretteten Borgdrone fantastisch ist, vor allem nach all den furchtbaren Begegnungen mit den Borg in TNG. Die Borg sind das ultimative Science-Fiction-Böse, die perfekte Kombination aus heute noch relevanter Matrix-Vernetzung, horrorfilmartigen Körperekel und ursprünglicher Insektenherde-Phobie. Aus diesem Gemisch einen Charakter zu beziehen – und dann ausgerechnet so einen – war genial.

Die ganze darauf folgende Geschichte um ihre Menschwerdung, auch ihr Unwillen vor dieser Idee und ihre Anti-Autorität ist toll. Es ist gute Science-Fiction, emotional umgesetzt gerade mit der Mutter-Tocher-Beziehung zwischen ihr und Janeway, und es gibt der Serie mehr zu tun als nur die nächste Weltraumanomalie zu überleben.

Gleichzeitig ist Seven eine Belastung für die Serie. Zum einen wirkt es billig, dass sie direkt nach einem unwürdigen Abgang von Kes eingesetzt wird. Es mag nicht wirklich so gelaufen sein, aber als Zuschauer entsteht der Eindruck unweigerlich, dass die Optik ein Faktor war. Hier eine normal hübsche Frau in einem begrenzt vorteilhaften Kostüm, da eine mit Baywatch-Oberweite in einem der Serie unüblichen figurbetontem. Zum anderen wird Seven als Storyvehikel überstrapaziert, ziemlich von Anfang an. Erst drehen sich viele Folgen um sie, dann ist sie in vielen regulären Folgen die Lösungsbringerin. Die Nanosonden erwähnte ich schon, aber es ist mehr noch als das. Egal ob es um Körperkraft, Wissen oder Intelligenz geht, Seven hat sehr oft die Lösung.

Ähnlich ist es beim Doktor. Das Hologramm, das als echte KI unweigerlich lernt und die Grenzen seiner Programmierung übersteigt – auch das ist tolle Science-Fiction. Für Star Trek zwar etwas unkreativ, da Data in TNG konzeptuell ein sehr ähnlicher Charakter war. Aber doch funktioniert das Konzept nochmal, auch weil der Charakter als kratzbürstiger Eben-Doch-Sympath toll ausgestaltet ist.

Aber auch er wird eine Belastung, weil das Hologramm für viele Probleme der Serienschreiber die Lösung war. Ab Staffel 4 schultern so er und Seven die gesamte Serie. Es wirkt sogar so, als sei eine bewusste Anstrengung der Drehbuchschreiber notwendig gewesen, ab circa Staffel 7 dann doch wieder die anderen Charaktere nicht nur als Statisten zu benutzen.
Diese Limitiertheit der Serienmacher wäre heute nicht mehr vorstellbar.

Verharren vor der Modernität

Aber die Schwächen bei der Serienentwicklung passen. Ich muss hier nochmal auf meinen Stargate-Artikel verweisen. Dort meinte ich, dass SG1 eine heute altmodisch wirkende Serie ist, die aber daraus viel Charme bezieht. Bei Voyager ist die Sache eigentlich sehr ähnlich. Die Serie entstammt der gleichen Zeit und wirkt durch eine zusammenhängendere Hauptstory deutlich moderner als TNG, aber ist in dem Punkt noch nichtmal auf dem Niveau von DS9 und noch deutlicher keine ganz moderne Serie, also kein in Serienfolgen aufgeteilter Film. Stattdessen gibt es im Kern Abenteuer mit tollen Fernsehfreunden. Damit ähnelt Voyager der Stargate-Serie. Ähnlich altbacken, gleichzeitig dadurch sympathisch, gerade heute.

Voyager hat neben der leichten Modernisierung des Erzählmodells aber doch auch andere moderne Ansätze. So sind die Weltraumszenen CGI, keine Modelle. Sogar gut gemachte CGI, phantastisch gar im Intro, die noch dazu in späteren Staffeln so frei verfügbar war, dass die Serie anders als Vorgängerserien Weltraumkämpfe nur selten alleine durch Gewackel auf der Brücke darstellen muss. Auch die Besetzung wirkt modern, sie ist – völlig angemessen für diese Zukunftsvision – divers. Janeway war gar der erste weibliche Kapitän in den Fernsehserien, was die Serie meist kompetent als selbstverständlich darstellt.

Und doch: In manchen Folgen und Aspekten der Handlung kippt das. Voyager ist manchmal erstaunlich daneben. So gibt es eine Folge, die klar die Todesstrafe behandelt. Aber anstatt zu den Werten der Föderation zu stehen, nimmt Janeway das als kulturelle Eigenheit hin und betreibt Beihilfe zum Mord – zum einen ein Beispiel dafür, wie in Voyager die Oberste Direktive verzerrt wird, aber auch eine sehr seltsame Charakterzeichnung dieser Frau. Könnte man sich Archer oder Jean-Luc Picard dabei vorstellen, wie die so etwas akzeptieren? Nein, sie hätten eine Lösung eingefordert. Mal ist es solche Untätigkeit, mal ist es unnötige Grausamkeit, sodass bei uns nach einer Weile Janeway den Spitznamen "la mala" (die Böse) hatte. Auf mich wirkte es so, als ob Janeway gerade deswegen so schief wirkt, weil in manchen Folgen ihrem Geschlecht entgegengeschrieben und dabei übersehen wurde, dass Unnahbarkeit und Grausamkeit einen Sternenflottenkapitän nicht besser machen, egal ob Mann, Frau oder Alien.

Dazu kommt Chakotay. Es ist nicht nur, dass die Schreiber komplett augenfällig nach dem starken Einstieg rund um die Maquis nichts mit ihm anzufangen wussten und er ganze Staffeln über praktisch nichts tut. Nein, selbst wenn er eingesetzt wird, dann wird sein indianischer Hintergrund gerne für das Klischee der edlen Wilden benutzt. Das geht so weit, dass Voyager auf Weltraumindianervorfahren seines Stammes stößt, so in etwa zumindest. Muss man heute so nicht mehr machen, glaube ich.

Chakotay und Janeway zusammen sind auch eine Bemerkung wert. Die Serie kann nicht anders, als die beiden als eine potentielle Liebesgeschichte zu platzieren. Freunde, die mehr sein könnten. Aber thematisiert das deutlich nur in einer Folge, zu mehr fehlt der Mut. Damals Standard – wie auch in SG1! – dass Beziehungen zwischen den Hauptpersonen nur angedeutet, aber nie ausgelebt werden, man könnte ja Zuschauer vergraulen. Heute wirkt das komplett überholt, eine moderne Serie würde über die Beziehung neue Geschichten erzählen, wie Voyager (und SG1 ebenfalls) es sich nur einmal traut. Stattdessen bekommt Janeway ein Sex-Hologramm – nein, aber nicht doch, es ist die von ihr benötigte emotionale Beziehung. Ob hier wieder der Komplex um Janeways Weiblichkeit reinspielte? Ähm, manche Aspekte von Voyager möchte man lieber wieder vergessen.

Insgesamt Gut? Ja, aber

Auch wegen solchen Entfremdungen zwischen der Serie und mir gibt es ein gemischtes Fazit. Schlecht kann die Serie nicht sein, sonst hätten wir sie nicht sieben Staffeln lang ertragen. Aber manchmal strapaziert sie schon die Nerven. Selten via einzelnen Folgen (wobei es ein paar Komplettausrutscher gibt), es war mehr, dass wir gemeinsam über permanente Schwächen der Serie gestolpert sind – vergessene Vorgeschichten, ignorierte Charaktere, dass Nebencharaktere nicht wieder auftauchen, dass Probleme wie Lösungen sich zu oft wiederholen, dass Seven und der Doktor zu oft die Lösung sind.

Doch dann ist Voyager auch wieder ganz toll. Weil die Schauspieler bzw ihre Charaktere einem ans Herz wachsen. Weil die in ihr enthaltene Star-Trek-Zukunftsvision nicht nur eine der positivsten, sondern auch eine der coolsten aller Zukunftsvisionen ist, Voyager sie von allen Serien am besten verkörpert. Sowieso, das ganze Szenario ist fantastisch: Das Weltraumschiff auf der Heimreise weitab von allem bekannten, was so viele Möglichkeiten für gute Geschichten schafft, sowohl für normale Storyherausforderungen als auch für Beziehungen zwischen der ursprünglich gespaltenen Crew. Mit den Borgs und Spezies 8472 sind auch noch zwei besonders tolle Antagonistenvölker in der Serie vertreten, die durch ihre Verwendung in der Serie sogar kaum beschädigt werden (die Borgs nur etwas durch den Ausbau der Borgkönigin) und daher wenig von ihrer Faszination verlieren.

Für mich hatte es natürlich etwas nostalgisches, die Serie nochmal zu schauen. Aber ich habe neben mir gesehen: Auch ohne diesen Faktor kann die Serie heute noch gefallen. Voyager ist weder eine schlechte Serie noch schlechtes Star Trek. Man kann sie nur heute nicht schauen, ohne sich über so manche Schwächen zu wundern und verpasste Chancen zu bedauern – und damit meine ich nicht die schlechte Fernsehauflösung und das oft sehr dunkle Bild (alle Bilder im Artikel sind geschärft und aufgehellt), sondern die inhaltlichen Probleme. Kalt gelassen hat sich mich aber definitiv nicht, wie man hier sicher herauslesen kann. Wieder nicht, muss ich sagen, ich erinnere mich noch sehr daran wie toll ich die Serie damals fand. Nach so vielen Jahren wieder so viel Interesse und Emotionen hervorzurufen, das wiederum spricht für die Klasse von Voyager.

Die vorherigen Marvelfilme hatten Scarlett Johanssons Charakter wenig ausgestaltet, ihr eigener Film fehlte wirklich. Der, der dann rauskam, leidet aber darunter wie wenig Gedanken sich die Vorgängerfilme über die schwarze Witwe gemacht hatten. Die gesamte Handlung wurde aus dem Hut gezaubert, wenig war vorher angedeutet, was sich unangenehm anfühlt. Passend ist zwar der Russlandbezug, der Anfang als Kind russischer Spione in Amerika, aber gleichzeitig ist diese bestehende Familie auch ein übler Bruch mit dem vorher von ihr gezeichnetem Bild.

Gleichzeitig rennt der Black-Widow-Film in das alte Problem: Die Superkräfte, die Black Widow offiziell nicht habe. Es war schon immer seltsam, dass sie trotzdem neben den anderen Figuren bestehen konnte, in Handlungen und Actionszenen die dazu nicht passten. Genauso wieder hier; Statt einem Geheimagentenfilm ist es ein Superheldenfilm, die Heldin wird dafür zurechtgebogen und wäre zigfach gestorben. Klar, es ist ziemlich müßig Konsistenz in diesen Marvelfilmen zu suchen, aber wenn es einen aus dem Film rausreißt ist etwas schiefgelaufen.

Die Handlung konnte mich dann nicht mehr richtig einfangen. Es blieb das Gefühl, dass mit dem Film etwas nicht stimmt. Dabei ist er nicht völlig langweilig, sondern mehr normale Marvelkost, ohne den Tonentgleisungen aus Captain Marvel. Aber ich hatte wohl gehofft, dass sie etwas anderes servieren, vll mehr Richtung Bond oder Mission Impossible gleiten. Wovon es ja Ansätze gibt, aber leider eben nur Ansätze, dann übernehmen wieder die normalen Comichelden-Quatschkampfszenen und Explosionen. Schade.
Ghost in the Shell zeigte eine bessere Johansson-Actionheldin.

Die erste Folge der neuen Netflix-Realverfilmung von Cowboy Bebop ist ein Desaster.

Zwar bin ich kein großer Anime-Fan, aber als ich kürzlich die Serie aus den Neunzigern nachgeholt habe gefiel sie mir sehr. Ja, ein paar sehr typische Anime-Elemente sind drin, aber sie sieht toll aus, die Figuren und die Geschichte hat was und dabei vor allem: Einen tollen Rhythmus. Die kurzen Episoden haben oft einen sehr kontrollierten Flow, bis dann für die eine Szene das Tempo wechselt und dann z.B. der Raumschiffkampf mit toller Musik untermalt loslegt.

Dass die Neuverfilmung damit ein Problem haben wird kann man schon beim Intro erahnen. Beide Versionen sind hier nebeneinandergelegt:

Während die animierten Figuren ihre Animationen verzerrt abspielen, sodass es perfekt zur Musik passt, ist das neue Intro zwar optisch sehr ähnlich, genau diese Anpassung gibt es aber nicht. Selbst nicht bei den drei Pistolen, die im Takt hintereinander abgeschossen werden. Zur Musik passen so nur die groben Wechsel.

Wenn dann die erste Folge einfach zwei Originalfolgen zusammenschneidet, aber mit eigenen Mitteln umsetzt, scheitert das katastrophal. Nehmen wir den Tijuana-Abschnitt. Hier wie dort gibt es einen Warteabschnitt, in dem Jet und Spike Einwohner nach der Zielperson befragen. Gibt es am Ende einen Kampf, bei der treibende Musik spielt. Und kurz darauf eine tragische Szene, in der bedächtige Musik spielt. Doch während im Anime in der letzten Szene die Musik im Vordergrund ist, die dann aussetzt und ganz zum Schluss eine Mundharmonika (-> Cowboy Bebop) überleitet, redet in der Realverfilmung erst Spike über die bedächtige Musik und wird die Musik dann lauter. Und setzt in der Szene mit der toten Frau im Weltall die Musik eben nicht aus, obwohl genau die Stille die Szene so wirkmächtig machte. Die Mundharmonika danach wird auch vergessen.

Und das sind ja nicht die einzigen Änderungen. Die Charaktere reden anders, handeln anders, es gibt eine neue Hintergrundhandlung, die grob in die Folge hineingeschnitten wurde.
Im Ergebnis fühlt sich alles falsch an.

Außerdem sieht es falsch aus. Wahrscheinlich weil Netflix sein Colormixing vorgegeben hat, vielleicht weil beim Abmischen etwas falsch lief, ist das Bild ein kontrastloser Matsch und weit weg von der Klarheit der Vorlage. Furchtbar hässlich, vor allem aber sieht dadurch noch mehr jede Person wie ein Schauspieler in einem Kostüm aus, gerade die Nebendarsteller in der ersten Folge sind unfassbar unecht.
Dazu wirken manche der Actionszenen wie eine billigste Fernsehserie, Kameraführung und Kameratechnik sind in manchen völlig daneben, es stimmt etwas mit der Framerate nicht. Ich würde das wie bei den Farben Netflix anlasten, aber die Witcherserie (bei der die Farben ähnlich schlecht sind, aber besser passen) hat diese Probleme nicht. Es sind wohl handwerkliche Fehler der Serienmacher selbst.

Doch trotz solcher Widrigkeiten wird der Rest der Serie deutlich besser. Die weiteren Folgen profitieren extrem davon, keine Billigkopien der Originalfolgen zu sein, sondern an sie angelehnt eigene Geschichten zu erzählen. Ich sage sie profitieren davon, aber sie leiden auch darunter: Viel davon was die Originalserie ausmachte geht verloren. Wo das japanische Manga philosophisch wird, setzt die Netflix-Serie auf Action. Wenn vorher der Ton der Serie oft eine japanisch anmutende und in meinen Augen für Anime nicht untypische Scifi-Melancholie hatte, ist die neue Serie sehr viel haudraufiger, amerikanischer.

Völlig schlecht ist das nicht, denn Cowboy Bebop ist so eine unterhaltsame Actionserie in einem seltsamen Universum mit schrägen Charakteren.
Aber es bietet einem Fan des Originals nicht viel von dem, was ihn früher angesprochen haben muss. Besonders auffällig: Was der Neuverfilmung auch in den eigenen Folgen dann nie wieder gelingt, ist den tollen Rhythmus des Originals umzusetzen – das Verharren am Anfang, die langsamen Gespräche, was dann in meist der einen Szene der Folge unter Jazzmusik umgedreht wurde und in einem perfekt getakteten Actionspektakel explodiert. Das schafft die Netflix-Serie trotz einzelner ruhigeren Folgen kein einziges mal.

Die Vicious-Julia-Spike-Geschichte zur Klammer der Serie aufzubauschen halte ich noch dazu für ungünstig, der Aspekt der Story war schon im Original nicht besonders toll und wurde durch seine Vagheit eher verbessert. Naja.

Insgesamt stimmt also weder Ton noch Rhythmus, aber der neue Song tut wenigstens nur selten in den Ohren weh.

Crazy Ex-Girlfriend ist eine lustige Musicalserie. Ein Meisterwerk wie die FAZ sehe ich in der Serie zwar nicht, aber eine komplett sehenswerte und ziemlich einzigartige Alternative zum sonstigen Serienprogramm.

Das Setting wird im Piloten so vorgestellt: Rebecca lebt als Anwältin in New York, ist unglücklich, dann trifft sie durch Zufall Josh. Den kennt sie von früher, eine Jugendliebe. Als er ihr erzählt wie viel besser es in West Covina, Kalifornien doch sei und dass er dorthin zurückkehren wird, kündigt sie und zieht ihm hinterher – als verrückte Ex, die wieder mit ihm zusammenkommen will.

Komplette Schnulze, oder? Aber die Serie ist eben nicht einfach eine romantische Komödie mit Gesangseinlagen. Sie ist mehr die anti-romantische Komödie. Zwar ist auch hier eine gehörige Portion Fantasieerfüllung mit dabei, aber das ist mehr zum Erträglichmachen des Ganzen. Denn davon abgesehen werden die klassischen Erzählungen kritisiert. Besonders das Hauptthema: Rebecca als psychisch angeknackste Stalkerin wird hier eben nicht einfach zu einer positiven und geheilten Figur weil sie verliebt ist, sondern ganz im Gegenteil ist ihr Verliebtsein komplett destruktiv.

Das wird in absurden Humor verpackt. Statt wie bei den typischen Filmen wie Hitch eine Schnulze mit ein paar Gags anfangs zu verkleiden und danach ohne weitere Witze dem Standardrezept zu folgen, ist Crazy Ex-Girlfriend konstant witzig. Nicht immer zum losbrüllen, aber mindestens etwas absurder Humor findet sich in jeder Folge. Entsprechend schräg wird die weitere Geschichte, wie Rebecca sich in West-Covina einlebt, wie das mit Josh und den Alternativen weitergeht. Ernstere Themen gibt es auch, die psychische Instabilität der Hauptdarstellerin ist da nur eines von mehreren Einfallstoren.

Zu jeder Folge gehören eigene Musicalsongs. Alle davon wurden für die Serie geschrieben, jede Folge hat mehrere. Viele davon sind lustig, parodieren Genres, einige bleiben im Ohr. Die Mitguckerin und ich – ich soll hier anmerken, dass ich die Serie ihr vorschlug, nicht andersrum – zitierten oft und zitieren immer noch einzelne der Lieder. Ich mein, schau dir einfach im ersten Song der Serie an, wie die Passanten die singende Rebecca verdutzt angucken. Solche kleinen Witze finden sich durch die Serie zuhauf.

Wer Musicals hasst oder die Gags im ersten Song so gar nicht lustig findet, der wird mit dieser Serie nichts anfangen können. Aber wer Musik in Filmen als Storyelement (wie bei Blues Brothers) mag, der hat zu Crazy Ex-Girlfriend eigentlich gar keine akzeptable Alternative. Dann passt auch der Rest.

Direkt

Jörg Langer hat eine echte Doku über die GDC gedreht:

Ich habe sie mir komplett angeschaut und sie ist wirklich gut geworden. Die Games Developer Conference ist ja die große Konferenz für Spieleentwickler, sie ist die Quelle so toller Präsentationen wie dem auch hier verlinkten Talk von Warren Spector über Deus Ex.

Aber gestartet ist die Konferenz ganz klein. Langer als Spieleredakteur war recht früh dabei und kannte viele der alten Akteure. Das ermöglichte ihm jetzt einen viel größeren Zugriff als man von einem deutschen Redakteur, der sich mal an Videodokus versucht, erwarten würde. Davon profitiert die Dokumentation enorm. Denn die redeten auch über das große Drama der Konferenz, eine Spaltung und Kommerzialisierung gegen den Willen des Hauptgründers.

Finanziert von GamersGlobal-Nutzern ist die Doku danach gefloppt, wenige Leute haben sie gesehen. Das hat sie nicht verdient, auch deswegen noch die (reichlich verspätete) Blogerwähnung hier.

Kurz zu zwei Serien, die ich im Covid-Alltag gut fand.

Community

Community beginnt als eher gewöhnliche Seifenoper mit ungewöhnlichen Charakteren, ein bisschen Friends in einem anderen Setting.

Community-Colleges sind wohl ein in der USA tatsächlich schief angesehener alternativer Ausbildungsweg. Viel Material für eine seichte Komödie über schräge Typen. Aber schon über den Verlauf der ersten Staffel kippt das, und plötzlich wird die Serie komplett absurd. Aber auf eine gute Art. Mit lustigeren Stories, aufwändigeren Folgen (Paintball!), den Zuschauer einbeziehenden Witzen. Das neue Konzept trägt dann problemlos durch die Folgestaffeln. Ich kenne keine bessere Komödienserie, und dabei habe ich The IT Crowd gesehen – was zwar witzigere Sketche hatte, aber nicht so gut als Serie funktionierte.

iZombie

iZombie ist ein bisschen morbide Komödie, ein bisschen Krimi-Drama. Olivia wird zum Zombie und findet eine Nische als Gerichtsmedizinerin, die Gehirne von Mordopfern isst, dadurch ihre Erinnerungen erhält und so mit einem Polizeipartner die Täter stellen kann.

Das hat zwar auf der einen Seite viel von einer simplen Jugendserie, man muss sich nur angucken was der Hauptdarstellerin alles passiert und wozu sie schon in der ersten Folge befähigt wird. Was nicht unbedingt für die Serie spricht. Aber andererseits fand ich die Balance zwischen interessanten Episodengeschichten und übergreifender Serienstory sehr gut gelungen. Auch, wie die anderen Charaktere aus ihrem Umfeld weiter benutzt werden hat was. Dabei trifft der Humor, iZombie ist durchgehend immer wieder ziemlich witzig. Am Ende ist es dann einfach eine gute Mischung.

Ich bin über dieses Album von Jeremy Spencer gestolpert. 1979 und nach seinem Eintritt in eine seltsame christliche Sekte aufgenommen, war es zweigeteilt: Einmal ein Rockalbum mit Popklängen, andere Lieder klingen mehr nach Disco. Spencer war unglücklich mit dem Ergebnis. Und selbst 2006 war er es wohl immer noch – für ihn lieferte er da Hamburger ab, also bekömmliche Fertigkost, weil das Studio es so wollte. Nur drei Lieder konnte er retten. Tatsächlich klingen die auch anders.

Mir gefällt das Album gerade wegen seiner Zweiteilung. Weil ein paar der Lieder zum Bewegen reizen. Aber auch die geretteten drei gut klingen, sodass sich nicht alles gleich anhört. Der andere Stil ist kein kompletter Bruch, die Tanzaufforderung ist weg, weniger Beat wird wiederholt, aber der Rest ist noch ähnlich. Als Album funktioniert das. Wie schade, dass Spencer selbst damit wenig anfangen konnte.

Youtube lässt ein Einbetten des Albums leider nicht zu, aber es lässt sich dort anhören:

The Umbrella Academy ist eine Netflix-Serie. Mit relativ guten Kritiken ein Kandidat für die nächste Serie im Abendprogramm. Also schaue ich gerade die ersten Folgen.

Sie sind überraschend schwach.

So einen lahmen Serienstart habe ich lange nicht gesehen. Die Charaktere sind unsympathisch – weil sich unentwegt anfeindend –, nichts passiert, alles ist grau und braun. Man muss sich nur mal diese Szene anschauen, in der die unerträglich vor sich hinmurmelnde Vanya nochmehr angefeindet werden wird. Seit wann sind Badezimmer mit Schminkspiegel beleuchtet wie dunkelste Kellerräume? Und was passiert ist emotional genauso ansprechend wie die Inszenierung auch aussieht.

Und während die Männer sich mittlerweile in Bewegung setzen die Welt zu retten, haben die Frauen eine Beziehungsgeschichte aufzulösen. Muss das wirklich so sein?

Trotz allem: Ganz langsam wird eine Hintergrundgeschichte angedeutet die interessant klingt. Toter Vater starb wohl nicht einfach so, Apokalypse ist nächste Woche. Aber besonders, dass das letzte Thema im Raum steht und die Charaktere daraufhin bisher praktisch gar nichts machen ist bei ansonsten sowieso einschläfernden Serienfolgen unfassbar.

Man vergleiche das mit dem Anfang von Crazy Ex-Girlfriend, der sprechenden Butter und all der Interesse weckenden Verrücktheit im ersten Musicalsong. Klar, nicht das gleiche Genre – aber ich meine nur den Ansatz, in der ersten Folge Interesse wecken zu wollen vs die ersten Folgen es nichtmal wirklich zu versuchen.

Dass ich der Umbrella Academy noch etwas Zeit einräume liegt nur an den Bewertungen, denen zufolge die Serie deutlich besser wird. Auch bei den Tomaten wird die zweite Staffel viel stärker eingeschätzt. Vielleicht findet sich die Serie also noch. Aber sie müsste sich extrem steigern. Warnt mich bitte, wenn das nicht so ist und die Serie im Grunde so weitergeht.

Der animierte Film steckt voller Details, ist lustig und wird hochgelobt. Das Cinemawins-Video ist noch positiver als sonst, aber das sah ich nach dem Film, vorher war diese Einschätzung von ben_, die mich auch dazu bewog den Film anzusehen.

Mir hat er nicht gefallen.

Ja, oft witzig, technisch gut gemacht und voller Details. Aber er verlor mich, diesmal sogar uns beide, gegen Ende. Weil das Familienthema überbetont und tausendfach wiederholt wird. Da wird nicht einmal Vater und Tochter miteinander versöhnt, es passiert viermal und es nervt. Selbst die Stimme der Tochter wird unerträglich in diesen Momenten, dieses aufgesetzte "Ich spreche jetzt ruhig, weise und erwachsen".

Gut, ist es eben ein Film für Kinder. Aber eigentlich ist er dafür zu voll mit Kram, mit dem Kinder nichts anfangen können. Wie es eben so oft ist: Als Familienfilm soll er alle ansprechen, und wenn solche Filme gut sind kann man sie auch ganz ohne Nachwuchs sehen (Jumanji z.B.). Auch der Mitchells-Film hätte bis etwa zum letzten Drittel tatsächlich kein absoluter Kinderfilm sein müssen, wie ja auch Into the Spiderverse der gleichen Macher gut für Erwachsene geeignet war. Aber das Beharren aufs Wiederholen der Kleinkindemotionalität zerstört es – erklärbar nur mit dem Kinderfokus, alternativ halten die Filmmacher die Zuschauer für Idioten.

Bisschen schade. Denn wenn mit der gleichen Technik, Witz und Liebe zum visuellen Detail eine bessere Geschichte umgesetzt worden wäre hätte das echt ein guter Film werden können. Das Endspektakel eine Nummer kleiner machen um darauf achten zu können, dass die Geschichte in sich konsistent bleibt (wenn einmal etabliert ist wie stark ein Gegner ist wirft eine gute Story das nicht nach 10 Minuten um), und vor allem die Beziehungsebene mit einer einzigen Szene innerhalb der Handlung auflösen. Aber das ist leider nicht gelungen.

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It just works, it just works,
Little lies, stunning shows
People buy, money flows, it just works

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Es ist wundervoll, wenn eine Bücher- und Videospieladaption als Film oder Serie einmal gelingt. Zu selten ist das der Fall. Doch Netflix erste Staffel der Witcher-Fernsehserie ist hervorragend geworden.

Das Witcher-Universum ist nicht furchtbar riesig. Es gibt eine feste Gruppe von Hauptcharakteren um den alternden Hexer Geralt, die einen Zeitabschnitt in einem düsteren Fantasie-Polen durchleben. Aber es sind in diesem Rahmen dann doch etwa acht Bücher und drei gute Computerspiele zu beachten, die wesentlich das Aussehen und die Atmosphäre dieser Welt geprägt haben. Die große Leistung der Netflix-Adaption ist es, beides perfekt einzufangen.

Natürlich kann nicht alles aussehen wie in den Spielen oder wie es die Bücher im Kopf zeichneten, seien es die Ortschaften oder die Zauberinnen. Und doch stimmt das Grundbild. Die zerrissene und oft grausame Welt ist voller Rassenkonflikte von Menschen, Zwergen und Elfen, dazu die Monster, und die magiebegabten als zusätzliche Klasse andersartiger. Geralt sucht sich einen Pfad durch dieses Chaos, verdingt sich als Monsterjäger und kämpft um seine Neutralität, was selten gelingt. Noch weniger oft in der Hauptgeschichte dieser ersten Staffel, in der Geralt nach Ciri sucht, seinem Schicksalskind. All das schafft genau die Atmosphäre, die von Buch wie Spiel erschaffen wurde.

Dabei ist die Inszenierung wirklich stark geworden. Wieviel dann eben doch genauso aussieht wie in den Spielen. Und wie teils Folgenabschnitte fast komplett aus den Büchern übernommen sind, ohne sie zu verschandeln, und die Staffel im ganzen doch eine zusammenhängende spannende Geschichte gibt. Einiges an diesem sichtbaren Respekt vor dem Material mag von Henry Cavill gekommen sein, der sich wohl tief in den Stoff eingearbeitet hat und mit seinem inzwischen sichtbar werdenden Gegensatz aus gutaussehendem Hollywoodschauspieler und computerspielendem Fantasygeek für diese Serie geboren wurde.

Aber vielleicht ist Cavills betonter Einfluss mehr gutes Marketing und nur das i-Tüpfelchen gewesen, denn es ist ja eben auch alles um ihn herum was stimmt, vom Casting übers Set bis zum Skript. Das geht so weit, dass selbst Analysen der Kampfszenen voller Lob sind, was bei einer generischen Computerspielverfilmung wohl niemand erwartet hätte:

Besonders wichtig war die Entscheidung, auch in der Serie zu behalten was eben auch Teil der Vorlage ist: Sex und Gewalt. Witcher auf eine USK-6-Serie heruntergedummt hätte nicht funktioniert.

Ich würde mich nichtmal als großen Fan dieses Universums bezeichnen. So völlig hatte mich diese Fantasywelt dann doch nicht gepackt. Aber immerhin habe ich die Bücher gelesen und fand sie mit wenigen Abstrichen unterhaltsam. Die Computerspiele tauchten hier im Blog auf und wie deutlich wurde fand ich sie ziemlich großartig. Damit war ich trotzdem bestimmt voll in der Zielgruppe. Und für mich hat die Serie dann auch hervorragend funktioniert. Ich kann sie nur positiv bewerten.

Steht nur aus, dass auch weitere Folgen veröffentlicht werden, was durch die Pandemie verzögert nun 2021 tatsächlich geschehen soll.